¿Cuándo?
El pop-art fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino unido y finales de los años 1950 en los Estados Unidos. El arte pop es un movimiento artístico que nace en 1954 cuando Lawrence Alloway utiliza por primera vez el término "pop art".
El arte Pop se da en una época de crisis de valores en la que a la gente no le importaba nada, viviéndose una crisis existencialista, causada por las guerras y a su vez una revolución humanitaria.
El sueño americano ahora estaba enfocado en el consumismo, es decir, tener casa propia, autos y dinero.
Es importante mencionar también que era la época de los hippies y hubo una redefinición del concepto de familia en EEUU.
El arte Pop surgió en parte como reacción al expresionismo abstracto que se había dado en New York a principios de los años 50. También es consecuencia de la 2da Guerra Mundial ya que las personas estaban afectadas psicológicamente y querían llenar le vacio que tenían en sus vidas, igualmente es considerado una evolución del dadaísmo.
El apogeo del pop art se vive en los años 50 según experiencias con el dibujo publicitario y la pintura. A mediados de los 60 el pop americano logra una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá, luego a Europa y otras partes de América.
¿Qué?
El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.
¿Cómo?
Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las más importantes se encuentra la serigrafía. Esta es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar.
Andy Warhol fue el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato. En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.
En el fondo estaban tomando prestados los íconos más representativos de la sociedad de la cultura popular de finales de la década del cincuenta.
Debido a la evolución de técnicas, aquellas muestras alcanzaron la máxima despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía
Sus autores recurren sistemáticamente al uso de objetos cotidianos de la sociedad de consumo, de productos del mercado, de todo lo que cualquier persona podía ver cada día. Pretenden elevar a la categoría de arte todos aquellos productoscuya difusión se realiza gracias a la publicidad de los "mass-media": historietas de comics, fotografías de estrellas del cine, de la televisión, anuncios comerciales, fotonovelas, etc.
¿Quién?
Andy Warhol, el que ha sido probablemente el artista más conocido del siglo XX, nació en 1928 en Pittsburgh, Pennsylvania estudió en el departamento de Pintura y Escultura del Instituto Carnegie de Tecnología. Con tan solo 21 años alcanzó cierto renombre como diseñador gráfico e ilustrador comercial. En los años 50, debemos destacar en su obra los dibujos fantásticos, collages dorados y libros de imágenes coloreados a mano, y decidió comenzar a pintar en serio en 1962 sacando su principal fuente de inspiración de los cómics y de la publicidad. Poco después recurrió al fotomatón manipulando estas imágenes con numerosos recursos distintos. Muchas de estas imágenes que Warhol trasformó en pinturas tuvo como modelos a estrellas de Hollywood como Marilyn Monroe o Elizabeth Taylor.
No se dedicó únicamente a las estrellas del celuloide. Warhol observó como el publico manifestaba una morbosa atracción por los desastres y por ello decidió coleccionar fotografías de accidentes para elaborar se serie "Desastre". Como reacción al materialismo utilizó también como objeto de sus obras artísticas elementos habituales de la clase media americana.
Warhol denominó a su estudio "la Factoría" allí elaboraba sus obras serigrafiadas que se convirtieron en la meca de los artistas, famosos y celebridades y miembros de la vanguardia neoyorquina. Siempre investigó nuevas formas de evolucionar las bellas artes. Y el cine, la moda, la fotografía, el vídeo y la televisión, además de publicar sus propios libros y revistas fueron otras de sus actividades.
El 3 de junio de 1968, Valerie Solanis, una estrella de segunda, va a su estudio y dispara a Warhol tres veces en el pecho. Sobrevive de milagro. Después de una larga recuperación el pintor continúa trabajando. Fundó la revista "Interview" en 1969, publicó el libro "la filosofia de Andy Warhol: de la A a la Z" . Warhol fallece en 1987, momento hasta el que estuvo dedicado a la pintura. Se le podría calificar como el mejor artísta gráfico o el padre delPop Art.
"Marilyn Monroe" 1964, Andy Warhol.
Uno de los cuadros más conocidos de Warhol es lareproducción de múltiples imágenes de la fotografía de Marilyn Monroe -sex-symbol e inalcanzable diosa del cine-,coloreada sin atención al detalle y con tonos planos y extremados. Esta obra se encuadra en una serie de litografíasque creó a principios de los años sesenta (Liz Taylor, James Dean, bote de sopas Campbell, botellas de Coca Cola, Mickey mouse, etc.). Todos ellos son símbolos de la sociedad de consumo sin significado, no esconden ningún sentido oculto como tampoco hay denuncia. Warhol sólo reflejaba la apariencia de las cosas, no juzgaba, no opinaba, no tenía nada que decir.
En su pintura, además del uso de imágenes sacadas de la vida diaria –práctica habitual entre los artistas del pop- hay otra constante: la repetición en serie de cada uno de sus temas. Esta característica está muy ligada a su particular proceso creativo ligado a la utilización de técnicas de arte aplicado –fotografías proyectadas en la tela, calcos similares a las técnicas de frotado, sistemas industriales como el serigráfico-. A Warhol le gustaba el aspecto impersonal en que desembocaba este sistema de trabajo. La misma cara de la famosa Marilyn retratada en serie resaltaba la superficialidad y banalidad de la fama.
En su pintura, además del uso de imágenes sacadas de la vida diaria –práctica habitual entre los artistas del pop- hay otra constante: la repetición en serie de cada uno de sus temas. Esta característica está muy ligada a su particular proceso creativo ligado a la utilización de técnicas de arte aplicado –fotografías proyectadas en la tela, calcos similares a las técnicas de frotado, sistemas industriales como el serigráfico-. A Warhol le gustaba el aspecto impersonal en que desembocaba este sistema de trabajo. La misma cara de la famosa Marilyn retratada en serie resaltaba la superficialidad y banalidad de la fama.
Fuentes:
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