El trabajo sobre el blog a partir de las corrientes artísticas del siglo XIX y XX me generó un doble conocimiento: principalmente sobre la historia del arte, y también aprendí como crear y utilizar un blog, lo que me pareció muy interesante porque es un espacio donde puedo volcar información y mantenerla segura para el momento en el que la necesite.
Sinceramente, yo no tenía muchos conocimientos previos sobre las vanguardias y toda la cantidad de escuelas que existen, y me gustó haber tenido la posibilidad de haber visto un pantallaso de la mayoría de estas, con sus respectivos ideales, influencias, artistas y demás aspectos importantes. Algo que me llamó la atención, es que casi todos los artistas se basaban en el momento histórico, cultural y político que estaban viviendo, o sobre sus sentimientos y pensamientos más íntimos; y a través del arte pudieron comunicarse y, en algunos casos, denunciar situaciones.
Algo que me pareció muy interesante también, es que cada cosa que los artistas pintan, hasta los detalles, tienen un significado y están plasmados por algo, intentando transmitir algún mensaje, lo que hace muchas veces que nos preguntemos que relación existe entre todas las cosas que están dentro de una misma pintura.
Me sorprendí muchísimo a la hora de buscar pinturas para elegir como ejemplos del "Hiperrealismo", porque es impresionante la perfección en los detalles y colores reales que se implementan en este movimiento. No podía creer que las imágenes que encontraba eran pinturas y no fotografías.
También me gustó investigar sobre el "Pop Art", ya que me parece muy original y divertido y es un arte que cotidianamente lo veo plasmado en la sociedad, como en carpetas, remeras, acolchados, etc.
Creo que el blog fue una buena forma de trabajar estos contenidos, diviéndolos por sus aspectos más importantes (cuándo, qué, cómo, quién), porque es una forma de tener archivados todos los movimientos artísticos en una página personal, a la cual podemos acudir el día de mañana para solicitar esta información. También creo que el blog facilita la escritura, ya que son muchos contenidos y ocuparía mas tiempo escribir las escuelas a mano que como hacemos en computadora.
Y finalmente, acordándome del nombre del blog del curso "Aprender a mirar", sé que antes de criticar una obra estéticamente, como solía hacer cuando era mas chica, primero tengo que tener un poco de información del contexto, del movimiento artístico, del artista, etc.
lunes, 6 de mayo de 2013
Neoexpresionismo
¿Cuándo?
Surge en Alemania a mediados de los años setenta y alcanza su máximo desarrollo en los años ochenta. El desarrollo del Neo Expresionismo se divide en dos momentos principales. El primero lo protagonizan artistas cuyo nacimiento tuvo lugar durante la Segunda Guerra Mundial. Son considerados como los fundadores del nuevo estilo. La segunda generación estaba formada por pintores nacidos en la década de los años cincuenta. Son mucho más agresivos que los de la primera practicando una plástica de la destrucción y lo feo.
El término "Die Neue Wilden" (los nuevos salvajes) fue utilizado por el director del museo de Aquisgran, Wolfgang Becker, para referirse a un grupo de pintores (entre ellos los alemanes Baselitz, Penck, Kiefer y Lüpertz) que estaban haciendo una obra figurativa con semejanzas formales con la pintura expresionista alemana de principios de siglo.
Por lo que supone de vanguardista, los "nuevos salvajes" representan en el arte de los ochenta lo que en su momento representó Der Blaue Reiter o Die Brücke, aunque con grandes diferencias. La principal es que el neo expresionismo no es un movimiento colectivo homogéneo sino una serie de personalidades con planteamientos estéticos propios que encuentran su inspiración en artistas del pasado, no sólo del expresionismo sino también de otros estilos y movimientos, incluso contradictorios.
¿Qué?
El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
El Neo Expresionismo alemán no es un movimiento homogéneo. Lo componían individualidades de carácter muy marcado. Además sus fuentes de inspiración fueron muy variadas. No sólo toman elementos del Expresionismo sino de movimientos anteriores de signo contrario. De la mezcla de todo lograron crear un producto nuevo. Fue un movimiento cuya principal característica es la heterogeneidad de planteamientos. Este aspecto es común a otros movimientos europeos contemporáneos como la Nueva Figuración francesa o la Transvanguardia en Italia.
Su temática abarca numerosos motivos que van desde la representación del héroe, mitologías nacionales e individuales hasta símbolos de poder de todo tipo. A pesar de ser figurativos no pretenden realizar una reproducción fidedigna de la realidad. Sus figuras son esquemáticas y tratan de seleccionar los rasgos más expresivos. Esa misma expresividad se busca mediante el grueso empastado de las pinturas al óleo, principalmente. Su gusto por la fusión les lleva también a mezclar arenas, yeso y paja con la pintura.
¿Cómo?
Retorno a las imágenes de tipo expresionista.
- Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.
- Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.
- Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.
- Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra.
- Ejecución de trazos amplios.
- Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).
- Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.).
- Temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana.
- Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (Fetting), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk).
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
¿Quién?
Jörg Immendorff (Bleckede, 14 de junio de 1945 - Düsseldorf, 28 de mayo de 2007) fue un pintor neoexpresionista alemán.
Discípulo de Joseph Beuys, formado en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, fue uno de los pintores alemanes de la posguerra al que se le encuadra en la escuela de los denominados nuevos fauves. Del conjunto de su obra destaca la serie de la década de 1970 titulada Café Deutschland, donde trataba la división entre la República Federal de Alemania y la República Democrática. Amigo personal del ex Canciller de Alemania, Gerhard Schröder, uno de sus últimos trabajos fue la realización de un retrato del mismo una vez concluido su mandato para la denominada Galería de los cancilleres en Berlín. Fue profesor de la Academia de Bellas Artes de Múnich.
En el ámbito político, fue un maoísta confeso, muy crítico con el pasado nazi alemán y un ferviente defensor de la protección del medio ambiente.
"Café Deutschland" 1984
Jörg Immendorff es conocido por su serie de pinturas llamada Café Deutschland, iniciada en 1977 y que prosiguió durante la década de 1980. En ella, él expresaba el caos y la paranoia que antecedieron la reunificación de Alemania . Café Deutschland es la 37ª obra homenajeada en Algo de Arte para su Vida.
El café era un tema recurrente de los pintores impresionistas, que lo impregavam como una forma de retratar la movilidad social. Para Immendorff, el Café Deutschland era una casa nocturna imaginaria en la frontera entre Alemania Oriental y Occidental.
En esta pintura, el artista alemán cose una cacofonía de formas legibles e ilegibles, que incluye el propio artista, caballos del Portón de Brandemburgo y hasta un Hitler con apariencia confusa.
Es como si la tela fuera un caleidoscópio. El artista junta imágenes retiradas de las más varias fuentes para crear un panel vertiginoso, donde no se puede encontrar un único punto focal.
3 detalles de Café Deutschland se destacan:
1 - Perspectivas múltiples
En esta tela, la perspectiva recibe un tratamiento poco convencional. La naturaleza contradictoria de la composición colocan en evidencia diversas facetas distinguidas de una escena compleja y multiespacial.
2 - Retrato de Hitler
En la parte de encima, a la derecha, hay una provocativa representación de Hitler. Immendorff intenta confrontar y desenterrar acontecimientos del pasado reciente de Alemania que muchos relutam en recordar.
3 - Caballos
En la parte de encima, a la izquierda, esos caballos representan los caballos de Vitória, diosa romana de la Victoria, localizados en el tope del Portón de Brandemburgo, que representa un símbolo de identidad germánica. El pintor los pintó cayendo, como se estuviera previendo la caída del muro y la reunificación de las Alemanhas, ocurridas 5 años después del cuadro.
Fuentes:
domingo, 5 de mayo de 2013
Hiperrealismo
¿Cuándo?
El hiperrealismo o fotorrealismo es un estilo pictórico que surgió en Estados Unidos entre las décadas de 1960 y 1970. Fue una reacción contra el arte conceptual y el pop art, que habían dejado las técnicas artísticas de lado, concentrándose sólo en el contenido intelectual de las obras. Así, el hiperrealismo es una reivindicación de la técnica.
En el siglo XIX, con la aparición de la fotografía, la pintura dejó de servir para representar literalmente el mundo. Es que la fotografía siempre era más parecida a la realidad de lo que era la pintura. Debido a esto, nació el arte abstracto, que buscaba nuevas razones para la existencia de la pintura.
Pero el hiperrealismo no ve ninguna contradicción entre foto y pintura: se nutre de la fotografía y se basa en ella. La fotografía es su base porque el pintor hiperrealista copia las imágenes tomadas con una cámara de fotos, y se nutre de ella en tanto estas imágenes están tomadas con una mentalidad fotográfica.
¿Qué?
La pintura hiperrealista busca una precisión casi fotográfica, una reproducción fiel de la escena a retratarse. Las pinturas dan la impresión de ser fotos gigantes. Pero para que parezcan fotos, el pintor debe tener un extraordinario manejo de la técnica. Debe dibujar de manera excelente y dominar a la perfección técnicas de perspectiva y puntos de fuga. También debe cuidar mucho las proporciones, las luces, los reflejos y las sombras, pues en esas áreas se apoya el parecido de la pintura con la fotografía.
Su tema básico son los paisajes urbanos, y abarca también retratos, animales, bodegones, detalles, etc.
¿Cómo?
Presenta un acabado limpio y cuidado de las obras, cuyos artistas se esfuerzan por reproducir de una forma exacta y meticulosa, tanto en lo que respecta a la forma, como a la luz y al color.
El esfuerzo que hace el artista por no dejar rastro alguno del pincel, siendo este detalle, de hecho, uno de los aspectos más frecuentemente comentados en las exposiciones de pintura hiperrealista.
Se emplea la cámara fotográfica como elemento imprescindible para obtener la imagen de lo que se va a representar, sobre todo en la reproducción de retratos, ya que, el tiempo de exposición sería muy prolongado.
El hiperrealismo se trata en definitiva de un estilo que marca una vuelta a la figuración, a reconocer el objeto, un alarde de técnica y detallismo.
Las características del hiperrealismo son la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos pintores ejercen un alto grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real, trasladado al lienzo mediante la cámara fotográfica, fotografiado mediante recursos pictóricos. Al utilizar la fotografía en el proceso de la realidad al cuadro, lo real queda roto y manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, de ahí el aspecto de irrealidad que diferencia el hiperrealismo del realismo tradicional.
¿Quién?
Steve Mills Nació el 28 de marzo de 1959 en Boston, es un pintor estadounidense que en complicidad con la técnica del óleo, produce cuadros hiperrealistas que proponen una realidad alterna más sugerente a la que conocemos y por lo tanto, más atractiva a nuestra mirada. Desde temprana edad, Mills descubrió su fascinación por los detalles que más tarde caracterizaría su obra y su perfil como artista plástico. Inspirado por las obras del pintor realista Andrew Wyeth, sus primeros trabajos consistieron en paisajes pero después de conocer el trabajo del pintor fotorrealista Richard Estes, supo que su técnica debía estar encaminada a la pintura hiperrealista. Con una licenciatura en Arte, el artista centra su trabajo en pintar elementos de la cotidianidad, donde intenta plasmar lo extraordinario de objetos ordinarios, logrando así cuadros de minuciosos detalles donde se puede apreciar la textura de un periódico, el brillo de un cristal o las gotas de agua en una lata de refresco. Con su primera exposición individual, Mills obtuvo reconocimiento por su novedosa propuesta vendiendo de 33 a 35 cuadros originales en Granary Gallery on Martha's Vineyard. Mills da un giro artístico a objetos mundanos que nos acompañan en nuestro día a día, haciendo pasar a sus cuadros por artísticas fotografías.
"Martini al fresco" Steve Mills
Fuentes:
Op Art
¿Cuándo?
Movimiento pictórico desarrollado a partir del Arte cinético, el cual aparece después del surrealismo en el siglo XX.Surge a finales de la década de los 50’ para asentarse en los años 60’.
Esta corriente artística precede primero en Europa, porque fue ahí donde se vivieron las primeras experiencias sobre la percepción de imágenes fijas o en movimiento, pero fue en EE.UU su punto principal de desarrollo y masificación en Abril del año 1958.Al decir "Op art" corresponde a la abreviación de "Optical art" o Arte Óptico.El término apareció en forma impresa por primera vez en la revista Time en Octubre de 1964.Ahí se realizaron varios artículos sobre el tema, finalmente el término fue aceptado y difundido.
El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada “The Responsive Eye”, que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia.
Se generó con la influencia de los movimientos: Constructivismo, Bauhaus, De Stijl y Suprematismo.Fue rápidamente aceptado por el público por sus estudiadas formas, éste influyó en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.
¿Qué?
El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos.
Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente.
¿Cómo?
Algunas de sus características son:
-Es una corriente artística abstracta.
-Engaña al ojo humano mediante ilusiones ópticas.
-Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro y preciso.
-Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento (virtual) mediante efectos de ilusión óptica.
-Se obtiene una modificación de la percepción visual del espectador mediante el empleo de determinadas líneas y colores en relación mutua.
-En general, se consiguen efectos ópticos por medio del blanco y negro, mediante círculos concéntricos, en espiral, etc.
-En el Op Art existe una ausencia total de movimiento real.
-Se usa la repetición de las formas simples.
-Los colores crean efectos vibrantes.
-Gran efecto de profundidad (espacialidad).
-Confusión entre fondo y primer plano (ambigüedad).
-Hábil uso de las luces y las sombras.
-El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
-Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
-En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotraen.
¿Quién?
Victor Vasarely nació en la ciudad de Pécs, Hungría, en 1906. Pasó su infancia y adolescencia en Pieštany (entonces Pöstyén) y más tarde en Budapest.
A lo largo de su vida temprana, Vasarely se vio atraído más hacia las ciencias de las artes, y en 1925 solicitó y fue aceptado en la Universidad de la Escuela de Medicina de Budapest, donde pasó dos años estudiando.
En 1927 Vasarely hecho una decisión que cambia radical y la vida - que decidió suspender sus estudios en medicina y cambiar de dirección completamente, tomar la decisión de seguir una carrera en el arte. Estos años estudiando medicina estaban lejos de haber cometido una estupidez, ya que la formación científica formal le dio un fuerte sentido de método científico y objetividad - algo que le fue muy útil durante toda su carera artística.
A partir de los años 50 la obra de Vasarely se enfocó básicamente hacia la sociedad, estableciéndose un compromiso entre esta y el artista. Creó un arte disponible para toda la sociedad, lo consiguió a través de la creación de obras de gran tamaño, integradas en la arquitectura y en el entorno urbano, utilizando procedimientos mecánicos como la serigrafía y la reproducción técnica, que permitieron la reproducción de las obras llegando así a ser contempladas por un número más amplio de público.
A partir de 1945 evoluciona un arte abstracto expresivo, rico de materia y libre de todo orden compositivo: el informalismo, que hacia 1960 se presentaba en exceso amanerado y estilista por lo que no pudo resistir al impacto del Pop-Art y el Op-Art.
Vasarely murió en París el 15 de marzo 1997, 91 de edad.
"L'echiquier"(" El tablero de ajedrez ") Victor Vasarely, 1935. Óleo sobre tabla. 61x41 cm.
Esta obra de Victor Vasarely se titula "L'echiquier"(" El tablero de ajedrez ") y está fechada en 1935.
Corresponde al periodo inicial de Vasarely, en el que su obra se mantiene todavía ligada a la realidad y contiene elementos figurativos. El pintor se referiría con posterioridad a estos años como los de los "caminos equivocados". Pese a todo, la obra muestra el interés del autor por el desarrollo de motivos geométricos y ópticos que prefiguran de alguna manera su obra de madurez.
Fuentes:
Pop Art
¿Cuándo?
El pop-art fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino unido y finales de los años 1950 en los Estados Unidos. El arte pop es un movimiento artístico que nace en 1954 cuando Lawrence Alloway utiliza por primera vez el término "pop art".
El arte Pop se da en una época de crisis de valores en la que a la gente no le importaba nada, viviéndose una crisis existencialista, causada por las guerras y a su vez una revolución humanitaria.
El sueño americano ahora estaba enfocado en el consumismo, es decir, tener casa propia, autos y dinero.
Es importante mencionar también que era la época de los hippies y hubo una redefinición del concepto de familia en EEUU.
El arte Pop surgió en parte como reacción al expresionismo abstracto que se había dado en New York a principios de los años 50. También es consecuencia de la 2da Guerra Mundial ya que las personas estaban afectadas psicológicamente y querían llenar le vacio que tenían en sus vidas, igualmente es considerado una evolución del dadaísmo.
El apogeo del pop art se vive en los años 50 según experiencias con el dibujo publicitario y la pintura. A mediados de los 60 el pop americano logra una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá, luego a Europa y otras partes de América.
¿Qué?
El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.
¿Cómo?
Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las más importantes se encuentra la serigrafía. Esta es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar.
Andy Warhol fue el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato. En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.
En el fondo estaban tomando prestados los íconos más representativos de la sociedad de la cultura popular de finales de la década del cincuenta.
Debido a la evolución de técnicas, aquellas muestras alcanzaron la máxima despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía
Sus autores recurren sistemáticamente al uso de objetos cotidianos de la sociedad de consumo, de productos del mercado, de todo lo que cualquier persona podía ver cada día. Pretenden elevar a la categoría de arte todos aquellos productoscuya difusión se realiza gracias a la publicidad de los "mass-media": historietas de comics, fotografías de estrellas del cine, de la televisión, anuncios comerciales, fotonovelas, etc.
¿Quién?
Andy Warhol, el que ha sido probablemente el artista más conocido del siglo XX, nació en 1928 en Pittsburgh, Pennsylvania estudió en el departamento de Pintura y Escultura del Instituto Carnegie de Tecnología. Con tan solo 21 años alcanzó cierto renombre como diseñador gráfico e ilustrador comercial. En los años 50, debemos destacar en su obra los dibujos fantásticos, collages dorados y libros de imágenes coloreados a mano, y decidió comenzar a pintar en serio en 1962 sacando su principal fuente de inspiración de los cómics y de la publicidad. Poco después recurrió al fotomatón manipulando estas imágenes con numerosos recursos distintos. Muchas de estas imágenes que Warhol trasformó en pinturas tuvo como modelos a estrellas de Hollywood como Marilyn Monroe o Elizabeth Taylor.
No se dedicó únicamente a las estrellas del celuloide. Warhol observó como el publico manifestaba una morbosa atracción por los desastres y por ello decidió coleccionar fotografías de accidentes para elaborar se serie "Desastre". Como reacción al materialismo utilizó también como objeto de sus obras artísticas elementos habituales de la clase media americana.
Warhol denominó a su estudio "la Factoría" allí elaboraba sus obras serigrafiadas que se convirtieron en la meca de los artistas, famosos y celebridades y miembros de la vanguardia neoyorquina. Siempre investigó nuevas formas de evolucionar las bellas artes. Y el cine, la moda, la fotografía, el vídeo y la televisión, además de publicar sus propios libros y revistas fueron otras de sus actividades.
El 3 de junio de 1968, Valerie Solanis, una estrella de segunda, va a su estudio y dispara a Warhol tres veces en el pecho. Sobrevive de milagro. Después de una larga recuperación el pintor continúa trabajando. Fundó la revista "Interview" en 1969, publicó el libro "la filosofia de Andy Warhol: de la A a la Z" . Warhol fallece en 1987, momento hasta el que estuvo dedicado a la pintura. Se le podría calificar como el mejor artísta gráfico o el padre delPop Art.
"Marilyn Monroe" 1964, Andy Warhol.
Uno de los cuadros más conocidos de Warhol es lareproducción de múltiples imágenes de la fotografía de Marilyn Monroe -sex-symbol e inalcanzable diosa del cine-,coloreada sin atención al detalle y con tonos planos y extremados. Esta obra se encuadra en una serie de litografíasque creó a principios de los años sesenta (Liz Taylor, James Dean, bote de sopas Campbell, botellas de Coca Cola, Mickey mouse, etc.). Todos ellos son símbolos de la sociedad de consumo sin significado, no esconden ningún sentido oculto como tampoco hay denuncia. Warhol sólo reflejaba la apariencia de las cosas, no juzgaba, no opinaba, no tenía nada que decir.
En su pintura, además del uso de imágenes sacadas de la vida diaria –práctica habitual entre los artistas del pop- hay otra constante: la repetición en serie de cada uno de sus temas. Esta característica está muy ligada a su particular proceso creativo ligado a la utilización de técnicas de arte aplicado –fotografías proyectadas en la tela, calcos similares a las técnicas de frotado, sistemas industriales como el serigráfico-. A Warhol le gustaba el aspecto impersonal en que desembocaba este sistema de trabajo. La misma cara de la famosa Marilyn retratada en serie resaltaba la superficialidad y banalidad de la fama.
En su pintura, además del uso de imágenes sacadas de la vida diaria –práctica habitual entre los artistas del pop- hay otra constante: la repetición en serie de cada uno de sus temas. Esta característica está muy ligada a su particular proceso creativo ligado a la utilización de técnicas de arte aplicado –fotografías proyectadas en la tela, calcos similares a las técnicas de frotado, sistemas industriales como el serigráfico-. A Warhol le gustaba el aspecto impersonal en que desembocaba este sistema de trabajo. La misma cara de la famosa Marilyn retratada en serie resaltaba la superficialidad y banalidad de la fama.
Fuentes:
Surrealismo
¿Cuándo?
El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Uno de los hechos destacados para comprender al surrealismo como movimiento artístico, son los descubrimientos en el campo de la psicología impulsados por Freud Sigmund. Su interés por comprender la psiquis humana, lo llevó a desarrollar una teoría por la cual nombra al "Inconsciente" como la instancia psiquica a la cual la conciencia no tiene acceso, pero que se le revela en el sueño, los lapsus, los chistes, los juegos de palabras, los actos fallidos, etcétera.
¿Qué?
El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo. Posteriormente buscó inspiración en el inconsciente, la imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud. Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.
¿Cómo?
Técnicas y métodos surrealistas:
- La fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos (tomadas del Dadaísmo).
- El Collage y el ensamblaje de objetos incongruentes (también heredadas del Dadaísmo, de personajes como Marcel Duchamp).
- El Forttage (dibujos logrados por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo).
- Técnica del “Cadáver Exquisito” o la pintura automática (varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver el trabajo del anterior, logrando imágenes interesantes e ilógicas).
- Automatismo (cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control).
- Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
- Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes.
- Preferencia por los títulos largos, equívocos, misteriosos.
- Decalcomanía.
- Grattage.
Imágenes de la pintura surrealista:
- Formas abstractas o figurativas simbólicas que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.
- Animación de lo inanimado
- Aislamiento de fragmentos anatómicos
- Elementos incongruentes
- Metamorfosis
- Máquinas fantásticas
- Relaciones entre desnudos y maquinaria
- Evocación del caos
- Representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías
-Realidades oníricas
- Perspectivas vacías
- Universos figurativos propios
Salvador Dalí 1904 – 1933
Pintor español conocido como el más grande surrealista. Publicó numerosos libros y participó abiertamente de la política de su época. Tuvo múltiples exposiciones y retrospectivas de sus obras siendo reconocido artísticamente en vida. Desarrolló una multitud de facetas: pintura, grabado, orfebrería y decoración. Difundió sus ideas por medio mundo, manteniendo sin embargo un profundo apego a su tierra natal. Su obra se relaciona con el subconsciente y el psicoanálisis ya plasmaba en ellas sus obsesiones.
"La persistencia de la memoria". Salvador Dalí, 1931. Óleo sobre lienzo, 24,1 x 33 cm.
- La fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos (tomadas del Dadaísmo).
- El Collage y el ensamblaje de objetos incongruentes (también heredadas del Dadaísmo, de personajes como Marcel Duchamp).
- El Forttage (dibujos logrados por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo).
- Técnica del “Cadáver Exquisito” o la pintura automática (varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver el trabajo del anterior, logrando imágenes interesantes e ilógicas).
- Automatismo (cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control).
- Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
- Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes.
- Preferencia por los títulos largos, equívocos, misteriosos.
- Decalcomanía.
- Grattage.
Imágenes de la pintura surrealista:
- Formas abstractas o figurativas simbólicas que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.
- Animación de lo inanimado
- Aislamiento de fragmentos anatómicos
- Elementos incongruentes
- Metamorfosis
- Máquinas fantásticas
- Relaciones entre desnudos y maquinaria
- Evocación del caos
- Representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías
-Realidades oníricas
- Perspectivas vacías
- Universos figurativos propios
¿Quién?
Salvador Dalí 1904 – 1933
Pintor español conocido como el más grande surrealista. Publicó numerosos libros y participó abiertamente de la política de su época. Tuvo múltiples exposiciones y retrospectivas de sus obras siendo reconocido artísticamente en vida. Desarrolló una multitud de facetas: pintura, grabado, orfebrería y decoración. Difundió sus ideas por medio mundo, manteniendo sin embargo un profundo apego a su tierra natal. Su obra se relaciona con el subconsciente y el psicoanálisis ya plasmaba en ellas sus obsesiones.
"La persistencia de la memoria". Salvador Dalí, 1931. Óleo sobre lienzo, 24,1 x 33 cm.
"La persistencia de la memoria". Salvador Dalí, 1931. Óleo sobre lienzo, 24,1 x 33 cm.
Nueva York, The Museum of Modern Art
La persistencia de la memoria (La persistance de la mémoire) es una obra que reúne muchas características de la pintura de Salvador Dalí. Como en tantos cuadros suyos, el fondo es la bahía rocosa de Port Lligat. Retenidas por una extensa llanura, aparecen yuxtapuestos elementos diferentes que provocan el asombro del espectador tanto por su heterogeneidad como por su singular aspecto.
El retrato del pintor, que aparece en primer plano, se asimila a un caracol arrastrándose por el suelo, cuyo cuerpo se pierde en la oscura arena como huella de color. Tres de los relojes de oro y plata representados en primer plano son blandos, se adaptan al cuerpo del caracol y cuelgan de la rama de un árbol sin hojas y del borde del resalto de una pared. El único reloj que parece conservar su consistencia normal está pintado en rojo y es devorado por las hormigas reunidas a su alrededor. En el cuadro de Dalí no se cuestionan sólo la materialidad de lo representado, su color y su congruencia; también los signos del tiempo -el verdadero tema del cuadro- experimentan un cambio profundo, difícilmente comprensible desde el punto de vista racional. El tiempo fugitivo, que asimismo tiene su expresión simbólica en el cuerpo del caracol en disolución, autorretrato del pintor, no se refleja sólo en el avance de las manecillas, sino en la fusión de los relojes. A su vez, el reloj rojo invadido de hormigas es como una señal de alarma que llama la atención sobre la muerte, lo mismo que el esqueleto de árbol de la parte izquierda del cuadro.
Fuentes:
http://www.historiadelarte.us/pintores/surrealismo/surrealismo-salvador-dali-persistencia-del-deseo-relojes-blandos.html
http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/08/04/caracteristicas-del-surrealismo/
http://www.arteespana.com/surrealismo.htm
http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd99/ed99-0055-01/surrealismo.html
La persistencia de la memoria (La persistance de la mémoire) es una obra que reúne muchas características de la pintura de Salvador Dalí. Como en tantos cuadros suyos, el fondo es la bahía rocosa de Port Lligat. Retenidas por una extensa llanura, aparecen yuxtapuestos elementos diferentes que provocan el asombro del espectador tanto por su heterogeneidad como por su singular aspecto.
El retrato del pintor, que aparece en primer plano, se asimila a un caracol arrastrándose por el suelo, cuyo cuerpo se pierde en la oscura arena como huella de color. Tres de los relojes de oro y plata representados en primer plano son blandos, se adaptan al cuerpo del caracol y cuelgan de la rama de un árbol sin hojas y del borde del resalto de una pared. El único reloj que parece conservar su consistencia normal está pintado en rojo y es devorado por las hormigas reunidas a su alrededor. En el cuadro de Dalí no se cuestionan sólo la materialidad de lo representado, su color y su congruencia; también los signos del tiempo -el verdadero tema del cuadro- experimentan un cambio profundo, difícilmente comprensible desde el punto de vista racional. El tiempo fugitivo, que asimismo tiene su expresión simbólica en el cuerpo del caracol en disolución, autorretrato del pintor, no se refleja sólo en el avance de las manecillas, sino en la fusión de los relojes. A su vez, el reloj rojo invadido de hormigas es como una señal de alarma que llama la atención sobre la muerte, lo mismo que el esqueleto de árbol de la parte izquierda del cuadro.
Fuentes:
http://www.historiadelarte.us/pintores/surrealismo/surrealismo-salvador-dali-persistencia-del-deseo-relojes-blandos.html
http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/08/04/caracteristicas-del-surrealismo/
http://www.arteespana.com/surrealismo.htm
http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd99/ed99-0055-01/surrealismo.html
martes, 23 de abril de 2013
Dadaísmo
¿Cuándo?
El movimiento dadá nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.
¿Qué?
El dadaísmo, más que constituir un movimiento artístico concreto, trata de reflejar una disposición particular del espíritu, representa una negación intelectual violenta, un acto extremo de antidogmatismo, por lo que se vale de cualquier medio para llevar adelante su batalla. Más que la obra, es el gesto lo que interesa a los dadaístas, gesto que va más allá de los puros canales de expresión artística para manifestarse en la política, en las costumbres, en la misma sociedad, siempre que este gesto sea entendido como provocación contra el sentido común, la moral, la ley y cualquier normativa u ortodoxia. De aquí que el escándalo fuera el instrumento preferido para hacer públicas sus acciones. El dadaísmo va más allá del puro significado o la simple noción de un movimiento artístico para llegar a proponer una forma de vivir. En el fondo, lo que desea su áspera polémica contra el arte y la literatura, entendidos como valores eternos del espíritu, es transformar todo lo que llamamos poesía en acción. También los dadaístas, mejor que nadie, tratan de unir estrechamente dos conceptos que andaban separados, arte y vida, y soldar cualquier ruptura que pueda diferenciarlos.
¿Cómo?
Para los dadaístas la misma práctica artística es puesta en tela de juicio. El arte deja de ser una forma de producir valores para convertirse en un sinsentido (la misma realidad histórica es un sinsentido enmascarado por las leyes de la lógica) y producirse según las leyes de la causalidad (Tzara recomendaba recortar palabras de un periódico y componer luego varias al azar para la elaboración de un poema dadaísta). De esta manera el arte deja de ser una operación técnica y lingüística: puede utilizar cualquier instrumento o material y producir obras que no tienen valor en sí mismas, sino que son el documento de un proceso mental que aparece como estético porque es gratuito. El Dadaísmo pretende eliminar la obra de arte como pieza de museo; privada de un fin, y desvalorizada, no es más que un signo de existencia, aunque significativo, porque todo lo demás está condicionado.
¿Quién?
Marcel Duchamp
1887 – 1968
Procedente de una familia de artistas, inició su actividad artística realizando dibujos humorísticos para revistas y periódicos. Posteriormente, en sus obras de factura impresionista, se hicieron patentes la influencia de Cézanne y el color de los fauves, y empezaron a aparecer algunos elementos simbólicos que luego serían característicos en él. Siguió con la aplicación de la descomposición cubista, con el movimiento, y con el tema de la máquina. Su “Desnudo bajando la escalera, nº2” fue recusado en la exposición del Salón de los Independientes (1912) por interpretarse el título como una alusión contra el cubismo.
Duchamp intentó “desaprender a pintar”, convirtiéndose así en uno de los pioneros del Dadaísmo. En 1913 ideó los “ready made” u objetos prefabricados (esculturas realizadas con objetos ya existentes, vulgares), como la “Rueda de bicicleta”, en la que reaparece el tema de la máquina y el del movimiento. Quería poner fin al deseo de crear obras de arte; por otra parte, al escoger un objeto en el que el artista no ha intervenido en su realización, un objeto corriente, fabricado en serie, el acto de Duchamp se convertía en algo corrosivamente desmitificador de las categorías estéticas que pesaban sobre cualquier obra de arte.
El gran cristal, 1918.
El cristal se presenta como una pantalla de proyección, a través de la cual se ve no solo lo que contiene sino lo que está detrás. Pero al mismo tiempo como una barrera que impide el paso entre dos espacios. Juega con la trasparencia, pero es una barrera que impide la comunicación real. En el centro del cristal incorpora diferentes elementos, incongruentes entre sí, diferentes materiales, en los que lo que no rige es la lógica. Ni desde el punto de vista iconográfico, ni formal. A consecuencia de un golpe, el cristal se fracciono. El azar, ese hecho fortuito, fue para Duchamp el punto final de la obra.
Fuentes
http://raulygustavo.tripod.com/LUSigloXX5a/id4.html
http://www.profesorenlinea.cl/artes/Dadaismo.htm
http://www.elarteporelarte.es/el-dadaismo-marcel-duchamp/
La abstracción (arte abstracto)
¿Cuándo?
• Orígenes:
El arte abstracto nació en la segunda década del siglo XX. Su origen se debe, principalmente, a la reacción en contra del imperialismo, a las circunstancias políticas de la época (imperialismo, guerras, etc.) y a la aparición de las doctrinas de Freud sobre la importancia del subconsciente. Este tipo de pintura, que al principio fue muy criticada, se convirtió en uno de los mas importantes fenómenos de la historia d el Arte.
• Contexto Social y Cultural:
Se llevo a cabo en la primera mitad del S. XX, una revolución cultural lo que seria dicha revolución es, como cualquier corriente artística, filosófica y estética que proponga y exponga expresiones creativas innovadoras, originales o libres y que de alguna manera resultan antagónicas al canon o tradición cultural establecida. Esto transforma de una manera u otro al ámbito social; no por ser una moda, si no por crear conciencia de nuevas cosas. En el siglo XX la ciencia y la tecnología se desarrollan a pasos agigantados; los transportes en sí los medios de comunicación.
En sí, el siglo XX represéntalos aspectos más complejos: guerras, revoluciones, ciencias, entre otros.
La tecnología también aportó nuevos materiales de trabajo, como el cristal, el acero, la madera laminada, etc.
Lo espiritual está también en crisis; se da un acercamiento entre artes mayores y menores, pues todos sienten la capacidad de desarrollar sus facultades en cualquier campo. Las artes plásticas que mas sobresalieron fueron, Fauvismo, Arte Abstracto Muralismo, entre otros.
¿Qué?
Arte abstracto, estilo artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.
El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.
Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.
¿Cómo?
Las características del arte abstracto son en general las estructuras y aspectos cromáticos sin preocuparse en representar de forma figurativa, las formas naturales. Siendo así, las obras llamadas abstractas, existen independiente del mundo real, de los Modelos reales y se preocupa solamente en crear sus propios significados por medio de un lenguaje visual expresivo, capaz de provocar muchas interpretaciones.
Dentro de esta tendencia, cada artista deja toda la libertad a lo imprevisto de las materias (gusto por la mancha y por el azar) y a la aleatoriedad del gesto, rechazando el dibujo y el control, así como la concepción tradicional de la pintura y su desarrollo, que va de la idea a la obra terminada, pasando por los esbozos y los proyectos; es una obra abierta que el espectador puede leer libremente.
Lenguaje visual: representaciones dotadas de significado propio, sin la necesidad de la representación figurativa.
Garabatos: formas difusas, reforzadas con el color y con sentido simbólico.
Nuevos instrumentos: los símbolos y los signos.
Abstracción pura: Significado solamente cuando la obra está acabada, la cual es bella por sí misma, como objeto.
¿Quién?
Wassily Kandinsky (Rusia, 1866-1944)
Pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno. Desempeñó un papel fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte abstracto. Nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866, estudió pintura y dibujo en Odessa, y derecho y economía en la Universidad de Moscú. Con 30 años se trasladó a Munich para iniciarse como pintor. Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, después de un viaje a París en el que quedó profundamente impresionado por las obras de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre. Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno, no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el mundo de la música, del que tomaban los títulos. En 1911 formó, junto con Franz Marc y otros expresionistas alemanes, el grupo Der Blaue Reiter y en ese periodo realizó tanto obras abstractas como figurativas, caracterizadas todas ellas por el brillante colorido y la complejidad del diseño. Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor. En 1912 publicó De lo espiritual en el arte, primer tratado teórico sobre la abstracción, que difundió sus ideas por toda Europa. Fue también profesor en la Academia de Bellas Artes de Moscú entre 1918 y 1921, y entre 1922 y 1933 de la Bauhaus en Dessau, Alemania. Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, a medida que se alejaba del estilo fluido de su primera época para introducir trazos de perfil muy marcado y diseños claros. Como uno de los primeros exploradores de los principios de la abstracción no representacional o pura, puede considerársele uno de los pintores que sembró la semilla del expresionismo abstracto, escuela de pintura dominante desde la II Guerra Mundial. Murió el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.
"Sobre el Blanco II " Wassily Kandinsky 1923.
Creado en el año 1923, esta pintura es un ejemplo clásico de "arte abstracto geométrico," basado en diferentes formas geométricas y formas, especialmente retratados de una manera no-ilusionista. Kandinsky "Sobre Blanco II" es un trabajo de análisis detallado y la precisión crítica. Cada figura geométrica, desde un triángulo con un círculo para igualar los puntos, las líneas, e incluso la superficie utilizada para la pintura, todos implican una competencia meticuloso. En palabras de Wassily, éstos son llamados como "el plan básico. Tan poderoso "Arte abstracto geométrico" es que más tarde fue incluido en el currículo de una escuela de arquitectura y arte, "La Bauhaus". Esta obra es considerada como una de las primeras totalmente abstractas del arte moderno.
Fuentes
http://megazine.co/su-pintura-m%C3%A1s-famosa-%28en-blanco-ii%29---wassily-kandinsky-wassilyevich_4425e.html
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=280
http://www.artistasdelatierra.com/estilo/60-Arte+abstracto.html
http://www.portaldearte.cl/terminos/abstracc.htm
http://www.taringa.net/posts/arte/6758172/Arte-abstracto-Trabajo.html http://www.buenastareas.com/ensayos/Arte-Abstracto/855277.html
Futurismo
¿Cuándo?
El fundador y alma del futurismo tenía que ser el poeta italiano Filippo Tomasso Marinetti (1876-1944). El 20 de febrero de 1909 publicó en el periódico Le Figaro el "Primer manifiesto del futurismo". El 11 de abril del mismo año se proclamó otro manifiesto más técnico. El movimiento futurista es en realidad un exponente de la crisis cultural del siglo XX, que tuvo como consecuencia más inmediata las dos guerras mundiales. Desde el punto de vista histórico, el futurismo surge como una natural evolución de las ideas postimpresionistas.
¿Qué?
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.
Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.
¿Cómo?
La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.
Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.
¿Quién?
Umberto Boccioni (Italia, 1882-1916)
Pintor, escultor y teórico italiano, fue uno de los líderes del movimiento futurista. En 1910, escribió el Manifiesto de los pintores futuristas en el que hacía la revolucionaria propuesta de que los artistas se liberaran del pasado y abrazaran el mundo moderno con su movimiento, su velocidad y su dinamismo. Aunque había tenido influencia del cubismo, se abstuvo de utilizar líneas rectas y recurrió a los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En su pintura, como puede verse en Dinamismo de un ciclista, expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo. En sus obras escultóricas, que combinan madera, hierro y cristal, Boccioni pretende ilustrar la interacción que se establece entre un objeto en movimiento y el espacio que lo rodea.
La ciudad se levanta (o La città che en la venta Italien) es una obra vibrante, el colorido futurista de Umberto Boccioni que pinta esta pieza de 1910 a 1911 al óleo. Representa el trabajo de hombres en una construcción en donde utilizan el poder de los caballos para la construcción. Es este poder que parece ser el foco central de la pintura como el caballo fuerte en una posición absolutamente dominante en donde llena el centro de la composición.
Fuentes
http://mariacata.wordpress.com/2012/05/19/la-ciudad-que-se-alza/
http://www.culturizando.com/2012/08/umberto-boccioni-el-padre-del.html
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=195
http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/senyoretes/hiper0710.html
http://www.arteespana.com/futurismo.htm
Cubismo
"Las Señoritas de Aviñón " está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x 233,7 cm.
Fauvismo
“Madame Matisse” por Henri Matisse 1905 (42,5 x 32,5 cm.)
Material: Oleo sobre lienzo.
Expresionismo
¿Cuándo?
El movimiento expresionista sus primeras manifestaciones, aparecen a finales del S. XIX, aunque no será hasta primeros del XX cuando se consolida como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes y como reacción frente al impresionismo. Surge en Alemania en concordancia con el fauvismo francés y recibe su nombre en 1911 con ocasión de la exposición de la Secesión berlinesa, en la que se expusieron los cuadros fauvistas de Matisse y sus compañeros franceses, además de algunas de las obras precubistas de Pablo Picasso. Años más tarde, son etiquetados como expresionistas algunos grupos alemanes como y Der Blaue Reiter (El Jinete azul) en 1912 y Die Brücke (El puente) en 1914 .
¿Qué?
El expresionismo se entiende como una acentuación o deformación de la realidad para conseguir expresar adecuadamente los valores que se pretenden poner en evidencia, y se manifestó como una reacción parcial al impresionismo.
El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Tiende a plasmar los sentimientos del artista y el entorno cruel de la sociedad.
¿Cómo?
- La pintura es concebida como una manifestación directa, espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista basada en una necesidad interior (de carácter instintivo y exaltada en Die Brücke y de carácter espiritual y sosegada en Der Blaue Reiter).
- Liberación del contenido naturalista de la forma mediante la libre interpretación de la realidad (las imágenes son creadas, no copiadas), para así expresar el mundo interior, subjetivo, del artista.
- Utilización de diversos recursos en la interpretación subjetiva de la realidad: desproporción y distorsión de las formas según un impulso interior; esquematización o reducción de las formas a lo esencial atendiendo a un sentimiento vital de depuración de lo objetivo (por este camino Kandinsky llegará a la abstracción total).
- Utilización del color y el trazo para subrayar (expresar) simbólicamente unos estados de ánimo.
- Destrucción del espacio tridimensional.
- Acentuación de la fuerza expresiva de las imágenes mediante el empleo de formas simples de carácter plano o con poco efecto de volumen.
- Aglomeración de formas y figuras.
- En general, predominio de trazos violentos, empastados y agresivos en Die Brucke y de líneas curvas y trazos más sosegados en Der Blaue Reiter.
- Colores intensos y contrastados (aplicados abruptamente en Die Brücke y de forma más meditada en Der Blaue Reiter).
- Ausencia de carácter decorativo.
- Temática con especial atención a escenas de desnudos en el campo o bañándose, escenas urbanas agobiantes y representaciones armónicas de la naturaleza.
- Los expresionistas rompieron con el Impresionismo a través de la libertad en el uso de la forma y el color y, en algunos casos, de la deformación de la realidad. Pero si algo caracteriza a este movimiento es la exteriorización de los sentimientos, sin buscar la belleza ni ningún valor estético. El Expresionismo estuvo muy marcado por el pesimismo que reinaba en la Europa de entreguerras, lo que les llevó a representar el miedo, el horror y la fealdad en muchas de sus obras.
¿Quién?
Edvard Munch (1863 - 1944)
Filosofía y plástica pocas veces se han visto tan entrelazadas como en la
obra de Edvard Munch. A través de sus pinturas el pensamiento reflexivo toma
una nueva y sugerente fuerza. La época en que a Munch le tocó vivir, el
contacto que tuvo con grandes pensadores de fines del siglo XIX y su poca
afortunada biografía confluyeron en la obra de este pintor noruego,
convirtiéndola en una inagotable fuente de reflexión en torno a la situación
existencial del hombre que comienza el siglo XX.Edvard Munch nace en Oslo, en 1863. Su padre Christian Munch era un modesto médico militar. Su esposa muere de tuberculosis cuando Edvard tenia sólo 5 años. La hermana del pintor, afectada por una enfermedad mental, también muere a temprana edad, cuando esta tenía 15 años. Estos hechos marcarían, más tarde, tanto el carácter como la pintura de Munch. Basta con observar el estilo y la temática de no pocos de sus cuadros para reconocer su particular vinculación con la muerte.
Este cuadro resulta el gesto más expresivo del arte
contemporáneo para significar el gran desaliento que el hombre moderno sentía
ante el fin de siglo y la transición al siglo XX. Munch nos habla de sus
sentimientos cuando pintó esta obra: "Estaba allí, temblando de miedo. Y
sentí un grito fuerte e infinito perforando la naturaleza". Estas frases
tremendas nos hablan de una hipersensibilidad del autor que con la realización
de este cuadro se convierte en altavoz de la angustia existencial que
caracteriza el pensamiento contemporáneo en alguna de sus facetas. La situación
personal de Munch está íntimamente relacionada con esta obra: de personalidad
depresiva y traumatizado por su relación con las mujeres, a quienes odia
fervorosamente y se ocupa de retratar lo más tétricamente posible, en el
momento de pintar este cuadro acababa de sufrir el fallecimiento de su madre.
Fuentes http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/expresionismo.htm
Fuentes http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/expresionismo.htm
Neoimpresionismo
¿Cuándo?
¿Qué?
Se denomina Neoimpresionismo al movimiento artístico que surge en Francia a finales del siglo XIX, englobando el conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en algunos rasgos de los pintores impresionistas como son los Divisionistas (que utilizan la pincelada dividida en trazos muy pequeños) y los Puntillistas (que emplean una pincelada en forma de puntos para descomponer totalmente la imagen). Bajo el nombre de Neoimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que responden a las inquietudes de los diferentes artistas. A éstos no hay que entenderlos bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a la individualidad de sus planteamientos.
¿Cómo?
Las características principales del neoimpresionismo son:
- Preocupación por el volumen.Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles).
- Preocupación por el orden y la claridad.
- Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición.
- Aplicación firme del principio de la mezcla óptica: los tonos se dividen o descomponen en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal.
- Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros se pintan mediante pequeñas pinceladas o puntos de colores puros para así lograr la mezcla óptica.
- Predilección por asuntos como puertos, orillas de ríos y escenas circenses (Signac).
- Utilización de la ley de los complementarios, que afirma que dos colores complementarios se realzan mutuamente si se aplican yuxtapuestos sobre el lienzo en pinceladas independientes, como en mosaico (y se oscurecen hacia un gris oscuro si se mezclan en la paleta).
- Las influencias del neoimpresionismo son las mismas que los impresionistas pero con mayor peso de las teorías ópticas de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores
¿Quién?
Georges Seurat (1859-1891) Seurat tuvo una vida corta (murió a los 31 años), pero muy fecunda. No hizo muchas obras de gran tamaño, pero las que hizo han quedado como emblemas de la pintura del siglo XIX por su tremenda originalidad. Seurat nació en París una familia de clase media acomodada, aunque no rica. A los 18 años ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París, y desde chico estaba muy interesado por el estudio y el aprender sobre arte. Por lo tanto, se manifiesta ya en su primer gran lienzo Baño en Asnières (1883-1884) su base teórica que impone una estructura lógica y científica al trabajo pictórico.
Fuentes
http://fcalzado.es/impresionismo/xhtml/04neoimp/04.html
lunes, 15 de abril de 2013
Postimpresionismo
¿Cuándo?
¿Qué?
¿Cómo?
- Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).
- Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne)).
- Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
- Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
- Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van Gogh) y modulados (Gauguin)).
- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (V. Gogh).
- Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
- Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).
¿Quién?
1890/1905. 45 x 57 cm. Óleo sobre lienzo.
Musée d'Orsay, París.
"Los jugadores de cartas" constituye un ejemplo de lo que se ha llamado el período sintético de Cézanne. Representa la realidad objetiva sin ajustarse a los mecanismos y criterios puramente ópticos de los impresionistas; distingue, no obstante, la realidad natural de la plasmada en el lienzo: "pintar no significa copiar el objeto, sino realizar sensaciones coloreadas".
Impresionismo
¿Cuándo?
Se produce inmediatamente después del Realismo, en un espacio cronológico que iría aproximadamente entre los años 60 y 90 del siglo XIX y en un espacio geográfico que es Francia y, más concretamente, la ciudad de París. Coyunturalmente es la Francia de finales del reinado de Napoleón III, de la guerra franco-prusiana de 1870, del fracaso en la Comuna de París (1871) y de la proclamación de la III República, que consolida definitivamente a la burguesía capitalista en el poder. Desde el punto de vista estructural es la época del crecimiento del capitalismo y de la segunda revolución industrial; de la expansión de Europa por el mundo a través del reparto colonial; del desarrollo de las investigaciones científicas… En definitiva de un mundo cambiante del que el pintor no se puede sustraer.
¿Qué?
¿Cómo?
¿Quién?
1872. Museo Marmottan. París. "Soleil Levant" (Sol Naciente).48cmx63cm. Pintura al aceite.
Este cuadro lo pintó C. Monet dos años antes de organizarse la primera exposición Impresionista en el estudio del fotógrafo Nadar. Es por tanto una de las obras emblemáticas de ese primer momento que dio luz al movimiento Impresionista y uno de sus principales iconos. Es también una muestra hermosa del triunfo del color, de la pincelada suelta y vibrante, de la instantaneidad apresada eternamente, de una impresión grabada para siempre en la retina.
Fuentes
http://es.slideshare.net/egeaortiz/el-impresionismo-monet
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